Джон Констебл, «Телега для сена»

Джон Констебл. «Телега для сена», 1821 год, Национальная галерея, Лондон © Public Domain

Художник-романтик Джон Констебл знаменит пейзажами, основанными на наблюдении за природой. Констебл писал английскую глубинкой такой, какой он ее любил и видел на пленэре, точно передавая мельчайшие детали английских уголков и природных явлений — например, отражения облаков в реке и эффекты неба.

Пейзаж «Телега для сена» изображает идиллический летний день на реке Стоур между графствами Суффолк и Эссекс, где прошло детство Констебла. В левой части картины зрители видят мельницу, которой семья художника управляла почти сто лет. А домик фермера слева от мельницы сохранился до наших дней. Пустая телега пробирается по мелководью на другую сторону реки, где на лугу люди косят сено — маленькие фигуры едва различимы.

Спокойствие летнего дня, наполненного трудом и солнцем, и обыденная жизнь английской глубинки произвела фурор на Парижской выставке 1824 года, где Констебл получил золотую медаль. После этого художнику удалось продать во Франции два десятка английских пейзажей.

Томас Гейнсборо, «Портрет мистера и миссис Эндрюс»

Томас Гейнсборо. «Портрет мистера и миссис Эндрюс», 1750 год, Национальная галерея, Лондон © Public Domain

Томас Гейнсборо любил писать пейзажи и именно в них видел свое призвание, но ради заработка был вынужден создавать портреты. Художник часто помещал моделей на лоно природы, объединяя портрет с пейзажем. В его картинах пейзаж не только служит фоном, но и сам играет весомую роль.

В «Портрете мистера и миссис Эндрюс» тщательно выписаны обширные владения супругов: пшеница на полях убрана в аккуратные снопы, а на лугу пасется стадо овец. Пейзаж выполнен в мельчайших подробностях — в просвете между деревьями видна белая башня церкви Святого Петра, где венчались супруги, а в снопах пшеницы можно разглядеть каждый колосок.

Художник тщательно поработал и над костюмами: модное платье юной супруги переливается блеском и прохладой нежного атласа. При этом платье осталось недописанным. Вероятно, на свободном месте должен был располагаться охотничий трофей: на это намекает легкий набросок на коленях. По неизвестным причинам художник не реализовал замысел.

Джон Эверетт Милле, «Офелия»

Джон Эверетт Милле. «Офелия», 1852 год, Галерея Тейт, Лондон © Public Domain

Сюжет картины Милле, одного из основателей «Братства прерафаэлитов», основан на пьесе Шекспира «Гамлет». Перед зрителями — последние мгновения жизни несчастной Офелии, переданные в интерпретации Королевы, матери Гамлета.

В руках у Офелии венок, по воде рассыпались многочисленные цветы. Лицо девушки спокойно, раскинутые в сторону руки вызывают ассоциации с распятием Христа. Взгляд устремлен в небо, а платье словно струится в потоке реки.

Растения выписаны с ботанической точностью — чтобы ее добиться, Милле несколько месяцев провел на берегу реки Хогсмилл, рисуя с натуры по много часов подряд. Каждое растение имеет символическое значение: адонис возле правой руки означает горе, плакучая ива — отвергнутую любовь, а маргаритки — невинность.

Милле сначала написал пейзаж, а уже после, в студии, работал над образом Офелии. Для этого модель Элизабет Сиддал по несколько часов лежала в наполненной ванне и даже серьезно простудилась, так что художнику пришлось оплатить ее лечение.

Уильям Блейк, «Вихрь любовников»

Уильям Блейк. «Вихрь любовников», 1824–1827 годы, Художественная галерея, Бирмингем © Public Domain

Мистик, художник и поэт Уильям Блейк не получил признания при жизни: современники считали его работы слишком неординарными, а самого художника — едва ли не блаженным. Произведения Блейка близки к символистам и сюрреалистам, хотя и принадлежат эпохе романтизма.

Одно из самых известных произведений Блейка — незаконченная серия иллюстраций к «Божественной комедии» Данте. На картине «Вихрь любовников» он изображает второй круг ада, где находятся души знаменитых любовников: Семирамиды, Клеопатры, Ахилла, Елены, Париса, Тристана.

Отдельно, в завитке вихря, художник помещает души брата и сестры Франчески да Римини и Паоло, ставших любовниками. Историю их трагической любви часто изображали на своих картинах прерафаэлиты.

Над головой самого Данте в сияющей сфере изображен символ бессмертного поцелуя. Художник создает ощущение бесконечности вихря за счет расположения начала и конца потока за границами изображения.

Уильям Тёрнер, «Последний рейс фрегата „Отважный“»

Уильям Тёрнер. «Последний рейс фрегата „Отважный“», 1839 год, Национальная галерея, Лондон © Public Domain

Уильям Тёрнер прославился изображением природных стихий и стал предтечей импрессионистов. Сияющие цвета, свет как главный герой и неуправляемая энергия солнца, воды, воздуха и огня — таковы отличительные особенности его творчества.

Сюжет картины несложен: художник изображает последний рейс фрегата, участника знаменитой Трафальгарской битвы. Бои отгремели, и буксирное судно тянет отслуживший фрегат на верфь, где его пустят на слом. О былой славе «Отважного» напоминают парусники справа от корабля. Впереди нет новых побед: контраст между славным прошлым и мрачным настоящим подчеркивает черный бакен на месте последней стоянки фрегата.

Закат солнца на картине — это и символический закат славы, и закат эпохи. Сияние разлито в пространстве, переливы и блики играют на поверхности воды и отражаются в парусах. Обилие желтого цвета впоследствии у Тернёра позаимствуют импрессионисты — Ван Гог, Гоген и Поль Сезанн.

В 1839 году картину «Последний рейс фрегата „Отважный“» представили в Королевской академии художеств. Уильям Теккерей, тогда еще молодой журналист, назвал ее «лучшей картиной из всех, что когда-либо украшали стены любой академии или сходили с мольберта любого художника».